Jake Baer, 31 ans, le PDG d’une entreprise d’antiquités âgée de 80 ans, sait ce qui va se passer Saturday Night Live un jour d'avance. Tous les vendredis, il accueille l’équipe de conception de décors de la comédie NBC dans sa grotte Ali Baba, située dans un entrepôt de Long Island, dans le but de louer des pièces pour le spectacle du lendemain. Cette saison, le salon raffiné où Emma Thompson mémorablement giflé une tasse de thé sur Leslie JonesLa main? La plupart des meubles provenaient de la société Newer, de Baer. Peintures de fond pour un défilé sans fin de croquis de la Maison Blanche? Newel.
Un vendredi récent de mai, longue date SNL chef de production Keith Raywood prenait une pause dans le programme de production mouvementé de la série, s’installant dans le hall de Newel avec deux associés. Jim Balzaretti, l’un des maîtres de la propriété de l’émission, se retirait cet été, et Baer avait préparé une série de bagels et de schmears en guise d’adieu. C'était le dernier épisode de la saison et l'ambiance était légère. «Nous venons ici pour des pièces spéciales, des choses que vous ne trouverez nulle part ailleurs», a déclaré Raywood. «Aujourd'hui, nous avions besoin de matériel pour le bureau ovale. Et il y a en fait un dessin dans un magasin d’antiquités. Donc c’est facile.
La réunion avait une atmosphère décontractée et habituelle – et Raywood louait effectivement Newel depuis des décennies. Mais SNLLes relations avec le secteur des antiquités se sont considérablement développées au cours des trois dernières années, grâce à la cour de Baer. Depuis qu'il a succédé à son père en 2016, le jeune PDG cherche à développer de meilleures relations avec la communauté cinématographique de New York, dans le cadre d'un effort ambitieux: développer le commerce d'antiquités de sa famille à une époque où personne n'achète d'antiquités.
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Il est difficile de surestimer la dureté des antiquaires au cours des deux dernières décennies. Dans les années 80 et 90, le marché des pièces françaises et italiennes vieilles de plusieurs siècles a connu un boom de 20 ans. Les décorateurs se promenaient dans les antiquaires et habillaient l’ensemble des clients, et les magazines d’abris étaient remplis de buffets Louis XIV et fédéraux.
Newel's Long Island City entrepôtFred Nicolaus
Au tournant du siècle, le marché a commencé à glisser, en particulier à New York. Certains font allusion à la surabondance d'élégances contemporaines épurées avec des plans d'étages ouverts (les fenêtres en verre du sol au plafond et les meubles marrons ne font pas bon ménage). D'autres attribuent le changement de génération à un intérieur plus minimal et à un style de vie décontracté. Quelle que soit la cause, les effets ont été catastrophiques pour les concessionnaires. Les prix sont au plus bas depuis 20 ans et d'innombrables magasins jadis vénérés ont fermé leurs portes.
Au milieu de ce déclin, Baer est diplômé du Marist College et a commencé à travailler à plein temps dans l'entreprise de sa famille. Newel, fondée en 1939 par l’arrière-grand-père de Baer, était devenue l’un des plus grands antiquaires (sinon le plus important) de la côte Est, avec un stock de plus de 20 000 pièces. La taille offrait peu de protection contre un marché baissier. «Je sens que je n'ai jamais vraiment vécu les moments difficiles dont mon père a parlé», a déclaré Baer. Affaires de la maison. "Il avait l'habitude de dire que vous pouviez mettre n'importe quel morceau dans le magasin et que les gens entraient et l'achetaient."
La plupart des marchands qui ont survécu à la sécheresse l'ont fait soit en réduisant radicalement leur taille, soit en les faisant pivoter, souvent à l'écart des antiquités. La Maison Gerard et Bernd Goeckler, par exemple, ont développé des travaux de créateurs contemporains de renom qu'ils vendent parallèlement à leurs offres vintage. D'autres ont déplacé leurs entreprises pour opérer principalement en ligne. Newel n'avait fait ni l'un ni l'autre. «Nous étions vraiment dans l’esprit des« ventes, ventes, ventes », explique Baer. "Nous n'avions pas l'impression de nous occuper de l'environnement de vente aussi bien que nous le pouvions." Mais malgré une nouvelle galerie épurée conçue par Jim Aman et un investissement dans des pièces branchées du milieu du siècle, Newel se débattait.
Dans le même temps, un autre aspect de l’entreprise montrait des signes de croissance. En 2010, HBO a Boardwalk Empire, un drame de l'époque de la Prohibition se déroulant à Atlantic City, a commencé à louer des accessoires à Newel. Baer explique qu'au cours des cinq saisons, la production a loué plus de 7 000 pièces, générant des revenus dans les six chiffres les plus élevés: «À une époque où les ventes n'auraient peut-être pas été aussi importantes, nous avons eu ce revenu supplémentaire. Surtout pendant les mois les plus bas, c'était notre colonne vertébrale. "
Jake Baer, PDG de Newel
Pour Newel, louer des antiquités au lieu de les vendre n'était pas une nouvelle entreprise. En fait, la société a été créée à l'origine comme une maison d'appartements destinée à Broadway à son âge d'or. Même si son modèle de base a évolué vers l’achat et la vente, Newel a continué à louer. Toutefois, le côté prop de l’entreprise a été vendu à voix basse et, au moment où Baer a commencé à travailler à plein temps, il ne représentait plus que 10% du chiffre d’affaires de la société.
Comme Boardwalk Empire en 2014, la communauté cinématographique new-yorkaise se préparait. Une explosion de plates-formes de diffusion en ligne telles que Netflix et Hulu a créé une demande pour de nouvelles émissions, dont beaucoup tournaient dans les immenses studios Silvercup et Kaufman Astoria à Queens, à un kilomètre du nouvel emplacement de Newel à Long Island City. (La société a déménagé de sa résidence de longue date à Manhattan, sur la 53e rue, en 2015.) Un crédit d'impôt public de 420 millions de dollars pour la production cinématographique a alimenté le feu, et Baer a senti une opportunité: «C'était une tempête parfaite. Tous ces spectacles ont besoin de trucs, et j'ai commencé à faire pression pour changer le marché afin de créer davantage de concepteurs. »
Le changement n’est pas venu immédiatement à Newel. «Notre présence en ligne n’était pas ce qu’elle devrait être et je devenais frustré», déclare Baer. «Nous n’indiquions même pas les prix de location sur notre site. C’était juste un petit texte de présentation sur notre page «à propos de». ”
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En 2016, Baer a succédé à son père en tant que PDG de Newel. Son premier geste fut d'acheter l'inventaire d'une maison d'accessoires en difficulté. Avec 10 000 pièces, le stock de Newel a considérablement augmenté, en particulier sa collection de «petits», objets de décoration utilisés par les concepteurs de la production pour mettre la touche finale au décor.
Avoir l'inventaire était une étape, la tarification appropriée en était une autre. Pendant des années, Newel avait facturé des frais de location de 10% sur chaque article de son inventaire. Cette politique visait à éviter la comptabilité compliquée – un moyen facile pour une entreprise d’antiquités de gagner de l’argent de côté sans s’attaquer aux mauvaises herbes. Pour une entreprise d'accessoires, cela n'avait aucun sens.
«Disons que j'avais un article qui se vendrait 50 000 dollars», a déclaré Baer. «Auparavant, nous le louions à 10%, mais 5 000 dollars, c'est trop cher pour une location. Je n’ai pas besoin d’en demander autant. Cela fonctionne aussi dans l'autre sens. Je pourrais louer ce canapé pour 1000 $. Mais vaut-il 10 000 $? Probablement pas. »(On peut voir le canapé en question, un Chesterfield au dos serré, Kanye WestLe clip de «Monster» –Jay Z devant lui pendant qu’une poupée gonflable est coincée entre les coussins.)
Baer avec le célèbre bulldog de Newel, SugarbearFred Nicolaus
Baer a passé les week-ends à parcourir l'inventaire de Newel et à déterminer les prix de location et de vente de chaque article. Il a ensuite créé une marque et un site Web distincts pour le secteur de la location, Newel Props, qui étaient adaptés aux besoins du rythme chaotique et nécessaire de la conception des décors. Quand il eut fini, Baer avait réussi une astuce: créer deux entreprises sur un inventaire.
Le déménagement n'a pas été sans controverse. Plusieurs employés de longue date de Newel sont partis pendant cette période. «Certaines personnes ne voulaient pas faire partie du changement», explique Baer. "Ils étaient plus du côté des ventes et quand j'ai repris les affaires, ils ne correspondaient pas complètement à la vision globale: la culture a beaucoup changé."
Le changement comportait également un autre risque: dans le monde reniflé des antiquités haut de gamme, certains acheteurs potentiels pourraient être découragés d'apprendre qu'une armoire convoitée avait récemment été utilisée dans une publicité de Claritin. Pour cette raison, Baer a pris soin de maintenir une certaine ségrégation entre les deux côtés de l'entreprise, à la fois physiquement et numériquement. Bien que les sites Web Newel Props et Newel Antiques présentent un stock presque identique (deux fenêtres différentes sur la même vue), les sites ne font pas explicitement le lien entre eux. En plus de l'immense entrepôt LIC, Baer dispose d'un showroom traditionnel à Manhattan et d'une présence à la 1stdibs Gallery sur le West Side, deux environnements conçus explicitement pour la vente, et non pour la location.
M. Baer a déclaré que ses efforts en matière de location ne nuisaient pas à ses ventes et que ses chiffres avaient augmenté de 30% par rapport à l'année dernière. Sans surprise, le côté locatif est en plein essor. «Il y a trois ans, la location représentait 10% de notre activité», explique Baer. «C’est maintenant 60%.» Le personnel de Newel est passé de 10 à 17 ans et a récemment embauché une CTO, une nouvelle pour une entreprise d’antiquités, pour rationaliser la base de données et les sites Web de la société. Pendant ce temps, Baer acquiert plus de stock et cherche un entrepôt pour le stocker.
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Comme Raywood et son SNL L’équipage a fait ses valises et est retourné au 30 Rockefeller Plaza. Baer a rapidement visité l’entrepôt de Newel. Ici, une chaise allemande sphérique du milieu du siècle en jaune vif – elle ressemblait un peu à Pac-Man, ouverte (3 500 dollars pour le loyer et 48 000 dollars pour le propriétaire). Là: un recamier rouge qui Beyoncé une fois dansé aux VMAs (pas à vendre, mais vous pouvez vous allonger sur le même rembourrage que la reine B pour 1 400 $ par semaine).
Baer débordait d’enthousiasme pour la collection de Newel, un gamin dans un magasin de confiseries, soulignant ses morceaux préférés et évoquant les idées qu’il espérait voir sortir dans les années à venir: une ligne de mobilier contemporain pour concurrencer Bernd Goeckler’s et Maison Gerard’s; une entreprise de mise en scène pour profiter de la crise immobilière de Manhattan; un emplacement en Géorgie qui bénéficiera des crédits d’impôt sur les films de l’État.
Et juste au cas où le pendule reviendrait sur des antiquités, Baer serait bien placé pour encaisser. «Qui sait? Dans 20 ans, les antiquités pourraient devenir la chose la plus en vogue au monde, et j'en aurai beaucoup », a-t-il déclaré. "En attendant, je vais louer."
Photo de page d'accueil de Fred Nicolaus
Avant et après les images de coupes de cheveux à Edo Salon and Gallery à San Francisco. Selon Jayne Matthews, propriétaire du salon, au moins 80% des clients trouvent Edo sur Instagram (@edosalonandgallery). Avant et après les images de coupes de cheveux à Edo Salon and Gallery à San Francisco. Selon Jayne Matthews, propriétaire du salon, au moins 80% des clients trouvent Edo sur Instagram (@edosalonandgallery). Avant et après les images de coupes de cheveux à Edo Salon and Gallery à San Francisco. Selon Jayne Matthews, propriétaire du salon, au moins 80% des clients trouvent Edo sur Instagram (@edosalonandgallery). Avant et après les images de coupes de cheveux à Edo Salon and Gallery à San Francisco. Selon Jayne Matthews, propriétaire du salon, au moins 80% des clients trouvent Edo sur Instagram (@edosalonandgallery).
J'ai d'abord remarqué la frange sur mon amie Audrey. Là où se trouvait autrefois son front, il y avait de gros morceaux éparses de franges épaisses. Ses cheveux, auparavant plats et plats, ne ressemblaient en rien à Farrah Fawcett. "Le cormoran est en train de conquérir l'Amérique", a-t-elle proclamé lorsque je lui ai posé des questions sur sa nouvelle coiffure. Je n'étais pas convaincu. Et puis j'ai revu la coupe, sur le flux Instagram d'un autre ami. Les longues boucles noires de Jackie ont été gonflées en un bang-y bob rappelant Jennifer Beals dans "Flashdance", mais plus élégant. Je l'ai aussi remarqué sur Nuala. Ses tresses blondes avaient été transformées en mèches noires qui décrivaient ses yeux écarquillés et ses fortes pommettes. Je n'avais jamais perçu ces pommettes comme je les percevais maintenant. Après des années à voir les mêmes bobs, lobs et ombres plats, je n’étais pas sûre de ce qui se passait dans la tête de mes amies. Quand ont-ils mutuellement jeté leurs fers plats et embrassé un regard plus insouciant? Quand l'éruption a-t-elle cédé la place au réveil et au départ? En deux minutes de recherche sur Instagram, j'ai découvert le lien qui unissait les coiffures d'Audrey, Jackie et Nuala: Edo Salon and Gallery, un salon écologique installé dans une ancienne église baptiste de Haight Street, il y a plus de deux décennies. Les coupes d'Edo sont ce que beaucoup de femmes ont décrit comme "un investissement". Leur prix va de 90 dollars pour un coiffeur à 300 dollars pour travailler avec un pro comme Matthews. Cela n'inclut pas le pourboire ou la coloration. Leur Instagram regorge des transformations que j'ai observées dans les flux de mes amis: des photos composites côte à côte montrant des clients avant et après leurs coupes. Je me suis retrouvé à faire défiler la page pendant 20 minutes, l'expérience générant un sentiment de satisfaction s'apparentant à regarder une scène de transformation dans un film. Si "Miss Congeniality", "She's All That" et "The Princess Diaries" m'apprennent quelque chose, c'est que tout le monde aime le métamorphose (et la plupart des métamorphoses impliquent de retirer ses lunettes et de se brosser les cheveux). Edo a commencé à publier les photos avant-après il y a environ deux ans, selon le gourou des cheveux Jayne Matthews, copropriétaire du salon avec Chri Longstreet. A cette époque, Instagram du salon "a explosé". Il compte maintenant près de 35 000 abonnés. Instagram est devenu un moyen de plus en plus populaire pour les créatifs qui cherchent à vendre leurs produits, que ce soit des vêtements vintage, des tatouages ou des poteries. Mais beaucoup de salons de coiffure sont en retard, me disait récemment Matthews. "À un moment donné, je parcourais les comptes Instagram des salons et je me demandais pourquoi nous montrions la tête de tout le monde. Ce n'est pas ce que tout le monde regarde", a-t-elle déclaré. Une recherche rapide sur les réseaux sociaux des salons populaires de San Francisco confirme l'observation de Matthews. Elle a donc acheté une lampe annulaire et a commencé à prendre des photos de ses clients sur son téléphone portable avant de lui couper les cheveux et après. Ses partisans ont dévoré les "transformations". Maintenant, les mini-séances photo – environ 200 secondes, explique Matthews – sont une pratique courante pour tous les stylistes d'Edo, dont beaucoup ont des adeptes Instagram sur des dizaines de milliers. Matthews estime qu'environ 80% des nouveaux clients trouvent le salon sur le site de médias sociaux et 99% de ses clients individuels découvrent ses services à partir de son compte Instagram personnel. Le support convient bien à la clientèle d'Edo, que Matthews décrit comme "des types de fabricants". De nombreux Edo-ites ont eux-mêmes un nombre considérable de médias sociaux. On y trouve des objets, du mobilier et des objets d’art qui décorent Edo (ou n’importe quel café de San Francisco): de nombreux plants de vigne, des textiles propres et du bois exposé. Il y a quelques années, elle a remarqué que ce groupe de créatrices était à la mode en ce qui concerne leurs vêtements – draps naturels, pantalons et blouses fluides, textiles tissés, etc. – mais leurs cheveux "ne correspondaient pas". Le styliste a rappelé une visite à la West Coast Craft Fair, un grand rassemblement annuel de fabricants tenu à Fort Mason en novembre, il y a environ cinq ans. La plupart des vendeuses portaient des tenues rappelant les hippies SoCal chics des années 60 et 70 – une tendance vestimentaire populaire parmi les Californiens de 20 à 20 ans. Leurs cheveux, cependant, semblaient coincés au début des années 2000: de nombreuses éruptions cutanées et des vadrouilles rasant les épaules ainsi que des mèches filantes et trop lissées. Matthews a proposé de faire des métiers d'artiste avec certaines artisanes, dans l'espoir de transformer leurs tresses repassées en "quelque chose de plus organique, de lâche et de libre", qui correspondrait mieux à leur esthétique contemporaine. Beaucoup de ces femmes sont maintenant les clientes habituelles d'Edo. Certaines de leurs œuvres sont accrochées aux murs de la galerie du salon. Matthews décrit le shag emblématique de son salon comme un "hippie, style français New Wave slash beachy, seventies". Pensez Brigitte Bardot rencontre Topanga Canyon. La coupe robuste et naturelle semble avoir fait son chemin à San Francisco, où le style privilégie le confort et la commodité (voir: notre obsession des vestes bouffantes, des sabots et des jeans pour copain). Il est logique que cette philosophie finisse par nous arriver à la tête. Mon amie Audrey pense que la coupure est le reflet du moment social. "Le changement culturel que nous vivons en 2018 rappelle beaucoup la révolution contre-culturelle de la fin des années 60 et 70, lorsque le shag a été introduit pour la première fois", m'a-t-elle dit récemment. "D'après moi, la résurgence du shag est un signe des temps, et il est logique qu'un salon dans le Haight soit si influent pour sa renaissance." Bien sûr, la coiffure ne fonctionne pas de la même manière pour toutes les textures. Un rapide défilement dans le fil Instagram d'Edo montre que presque tous leurs clients sont blancs. Plusieurs avaient les cheveux bouclés, mais il n'y avait que quelques femmes de couleur, encore moins avec une texture de cheveux grossière et des boucles plus serrées. Ce qui a attiré les six femmes que j'ai interviewées à Edo était la promesse d'une coupe flatteuse nécessitant peu d'entretien. Quelque chose que vous pourriez dormir, ébouriffer et ensuite porter au travail. Chacune de ces femmes a décrit une expérience similaire au salon. Le rendez-vous d'une heure commence par une consultation au cours de laquelle le styliste évalue la forme du visage et la texture des cheveux du client. Une fois les cheveux mouillés, ils sont coupés à l'aide de ce que Matthews appelle une méthode de "taillage", un peu comme "former des pétales individuels autour du visage". Cela se fait généralement avec un rasoir, plutôt que des ciseaux. Vient ensuite un brushing rapide et une légère application de produit biologique. Les photos sont collées sur le fond désigné, et c'est parti. Le prix d'une coupe est certainement le plus élevé du spectre pour les services capillaires dans la ville – le coût moyen d'une coupe de femme à San Francisco est d'environ 71 $, selon un sondage de 2014 de Square Inc. – mais relativement standard pour les hauts -end salons dans la région. Jackie, l'amie au look "Flashdance", a payé 120 $ pour sa récente coupe de cheveux, soit "plus du double" de tout ce qu'elle avait déjà payé auparavant. Avant Edo, elle n'avait pas mis les pieds dans un salon depuis trois ans. Sa coupe de cheveux précédente impliquait des cisailles, une poubelle et la main plutôt ferme de sa colocataire. Elle envisage de retourner à Edo pour sa prochaine coupe. "C'est une énorme chose pour l'estime de soi que de vous présenter au monde exactement comme vous vous sentez", a-t-elle déclaré. "Je vais payer pour cela." Edo a actuellement un emplacement, 601 Haight St., San Francisco. Les propriétaires prévoient d'ouvrir un autre poste à Oakland au cours de la prochaine année. Lire Michelle Robertson dernières histoires et lui envoyer des astuces de nouvelles à mrobertson@sfchronicle.com. Commencez à recevoir des courriels de dernière minute sur les incendies de forêt, les urgences civiles, les émeutes, les dernières nouvelles nationales, les alertes Amber, les urgences météorologiques et d'autres événements critiques avec le message électronique de nouvelles de SFGATE. 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SCRANTON – L’an dernier, on a diagnostiqué un cancer du sein chez Christine Schreck, alors que la plupart des femmes sont priées de subir une mammographie. Elle avait 39 ans. Les mammographies de routine sont généralement recommandées à 40 ans, parfois plus tard. Aujourd'hui âgée de 41 ans, Schreck a une santé irréprochable, mais elle reconnaît que le traitement a été plus douloureux que tout ce dont elle a été victime. «Oh, mon Dieu, les effets que cela a eu sur mon corps», s'est souvenue la West Scranton lors d'une interview accordée à Geisinger Mount Pleasant Imaging, l'un des endroits où elle a été traitée. Mais maintenant, elle ne souffre pas du cancer et Schreck veut faire savoir comment elle a découvert son cancer et comment elle a choisi de le traiter. Elle a également gardé un «parcours de coiffure», montrant la façon dont elle a perdu, et a repoussé ses cheveux au cours d'une année difficile. Selon ses propres mots, voici l’histoire du diagnostic, du traitement et du retour de Schreck au bien-être. Notre entretien a été légèrement édité et condensé. Q: Christine, comment as-tu découvert ton cancer? UNE: C'était en juin 2018. J'ai trouvé une bosse et j'avais un rendez-vous avec mon gynéco pour mon bilan annuel, et je le lui ai fait remarquer. Et il a dit, passons des tests, juste pour être sûr. Nous avons fait une échographie. Ils voulaient m'envoyer pour d'autres tests, qui comprenaient une biopsie du sein gauche. J'ai attendu mes résultats environ une semaine et mon médecin, mon gynécologue, m'a appelé et m'a dit que j'avais un cancer invasif ductile de stade 1 dans le sein gauche. Q: Cela a dû être dévastateur et surprenant à cause de votre âge. UNE: Bien sûr, mon monde s'est brisé. C'était une belle journée. J'étais en train de tondre la pelouse. Je pensais qu'il appelait juste pour me faire savoir que tout allait bien. Il me l'a dit et je pense qu'il y a environ deux jours, je viens de pleurer. J'avais 39 ans avec un cancer du sein et je n'en savais rien. Au bout de deux jours environ, j’ai dit: «Je vais me battre contre cela, je vais le battre et je vais gagner." Q: Qu'est-ce qui s'est passé ensuite? UNE: On m'a présenté à un chirurgien et à un oncologue. Je suis entré en chirurgie en juillet 2018 et j'ai subi une tumorectomie. Peu de temps après, environ trois semaines plus tard, j'ai commencé mon premier cycle de chimiothérapie. J'ai eu quatre cycles de chimiothérapie, qui ont duré jusqu'en octobre. Ils étaient à trois semaines d'intervalle et j'étais tellement malade. Je me souviens de mon infirmière navigateur qui me disait tout ce que je pouvais attendre de la chimiothérapie. J'allais perdre mes cheveux, mes ongles pourraient tomber, des trucs comme ça. Je me suis dit: «ça ne m’arrive pas. Je ne perds pas mes longs cheveux. " Effectivement, après ce premier traitement, je suis allée dans mon salon et j'ai demandé à ma fille de me couper les cheveux, car ils tombaient tout juste. J'ai eu les cheveux longs toute ma vie. Maintenant j'étais chauve. J'ai eu les plus beaux cheveux. Quand j'ai dû perdre ça, ça m'a fait mal à la psyché. Q: A quel point la chimio était-elle difficile? UNE: J'ai subi quatre cycles de chimiothérapie qui m'ont rendu tellement malade. C'était si douloureux. On m'a dit que vous pourriez perdre votre appétit et j'avais faim tout le temps. Tout ce que je faisais, c’était manger, mais j’ai perdu mon goût, je ne pouvais rien goûter sauf du gingembre au sushi. Donc, j'étais le contraire de beaucoup de gens, j'ai pris beaucoup de poids. Je pense que c'était parce que j'étais en bonne santé avant de recevoir la chimio. Je me souviens cependant que lors de mon quatrième traitement de chimiothérapie, je ne voulais pas y aller. J'avais tellement mal. Mon petit ami, Shawn Matticks, qui a été à mes côtés tout le temps, a déclaré: «Vous en avez un, allons-y et finissons-le.» Alors je l’ai fait, j’ai fait le dernier traitement. Q: Qu'est-ce qui est arrivé après la chimiothérapie? UNE: Une fois les traitements de chimiothérapie terminés, j'ai commencé 20 cycles de radiothérapie, du lundi au vendredi, à 14 heures, tous les jours, à Dunmore. C'était comme fin novembre à janvier et les effets que cela a eu sur mon corps, oh mon Dieu. Q: Revenons au diagnostic et à votre opération. Vous n'avez pas choisi une mastectomie. Pourquoi? UNE: Ils m'ont donné des options de traitement. J'ai décidé de garder ma poitrine. Ils m'ont dit que je pouvais le faire enlever. Mais j'ai subi un traitement génétique et je ne porte pas le gène. Celui-ci pense être un cancer hormonal. Si j'avais opté pour l'ablation de la poitrine, je n'aurais probablement pas eu à subir autant de traitement. S'ils devaient y aller, ils le devaient, mais à 39 ans, je me suis dit que je suis assez fort, que je suis en très bonne santé, allons-y. Je suis content de l’avoir fait, car j’ai toujours ma poitrine. Q: Y a-t-il eu un cancer du sein dans votre famille? UNE: J’ai deux tantes, l’une du côté de ma mère et l’autre de mon père, qui ont subi une double mastectomie et je pensais que je porterais le gène, mais je ne l’ai pas fait. J'étais heureux de le découvrir. Q: Comment était la vie après les radiations? UNE: Une fois que je suis sorti des radiations, j'ai commencé à reprendre des forces, et je me sens vraiment bien, vraiment. Il y a environ trois mois, mon chirurgien a diagnostiqué que mon état de santé était cliniquement sain. Quand il a dit ça, j'ai juste commencé à pleurer. Le voyage n’était qu’environ un an, mais c’était une éternité. Toute ma mentalité est différente. Je ne laisse plus les petites choses me rendre fou. J'apprécie les beaux jours. Je suis tellement content d’être ici. Q: Vous avez découvert votre cancer avant même d'avoir passé une mammographie, n'est-ce pas? UNE: Je n'avais jamais passé de mammographie auparavant. J'en ai eu cinq comme ça depuis et tous sont revenus propres depuis mes traitements. Je danse hors d'ici. Q: Et quel message avez-vous pour les autres femmes? UNE: Je dis aux femmes, ne rejetez rien si vous sentez quelque chose d’étrange. Je suis très sujette aux kystes. J'aurais pu le rejeter, mais je suis heureux de l'avoir signalé à mon médecin. Si je n’avais pas fait ça, ça aurait pu être pire. Je pense que je l'ai attrapé à temps. Il y a des femmes moins bien loties que moi. Si je peux donner une inspiration à ces femmes, j'aimerais beaucoup faire passer ce message. Q: Vous avez également posté beaucoup sur les médias sociaux, n'est-ce pas? UNE: J'ai posté toutes mes photos de mon parcours capillaire d'un an et j'ai certainement reçu beaucoup de soutien sur les médias sociaux. J'ai beaucoup d'amis qui étaient là et qui m'envoyaient à manger. Je suis content de l'avoir documenté. Q: Vous avez beaucoup parlé de traitements difficiles, et de l’aide que vous avez reçue, mais vous avez également fait appel à une force interne profonde. UNE: D'où venait la force, je n'en ai aucune idée. Je suppose que je suis plus fort que je ne le réalise. Beaucoup de gens sont venus me dire: «Tu es une telle source d’inspiration.» Mais j’étais comme: «Je me bats contre ça, et c’est tout.» Les médecins étaient incroyables, si attentionnés, compatissants et concernés. Je ne bois ni ne me drogue. J'étais assez fort pour y aller. Et j'ai la foi, tout cela ensemble m'a aidé à passer au travers. Ma mère est décédée en 2010. Je sens qu’elle m’entend, elle est au paradis. Je demanderais à ma mère: "S'il te plaît, aide-moi à surmonter cela, aide-moi à surmonter cette journée." Vous ne savez pas à quel point vous êtes fort avant d'avoir tout votre force. Cela aurait pu facilement me briser. Ce n’est pas le cas. Trouvez la force. Trouvez-le dans votre famille, vos enfants, votre moi intérieur. Vous pouvez battre ça. J'ai fait. Christine Schreck a documenté son «parcours capillaire» au cours de son cancer du sein et de son rétablissement. «Je me suis dit:« ça ne m’arrive pas. Je ne perds pas mes longs cheveux », se souvient Christine Schreck. "Effectivement, après ce premier traitement, je suis allé dans mon salon et ma fille m'a coupé les cheveux, parce qu'ils étaient en train de tomber." Christine Schreck est vue avec son petit ami Shawn Matticks pendant le traitement. «Il y a des femmes qui sont moins bien loties que moi. Si je peux donner toute sorte d’inspiration à ces femmes, j'aimerais beaucoup faire passer ce message », a déclaré Christine Schreck, témoin de sa lutte contre le cancer du sein. Christine Schreck devant Geisinger Mount Pleasant Imaging, un des endroits où elle a été traitée pour un cancer du sein.
Ce chalet côtier est maintenant l'un des meilleurs de Staithes après une rénovation majeure. Sharon Dale rapporte. Photos de Tony Johnson. Tranchant la colline escarpée et sinueuse jusqu'à son chalet à Staithes avec une table de cuisine sur son épaule et ses deux jeunes enfants à ses côtés, Sophie Beatty était presque au point de se briser. La table était destinée à la propriété délabrée que tout le monde pensait être trop de travail, même pour une rénovatrice aguerrie comme elle. Ils l'ont également mise en garde contre les problèmes logistiques complexes posés par le village côtier, qui a limité l'accès des véhicules, d'où ses efforts herculéens en matière de mobilier. Ce qu'ils ont omis de prendre en compte, c'est que l'amour peut tout conquérir et Sophie a adoré le cottage à partir du moment où elle l'a vue. Smugglers Den, qui est maintenant une location de vacances et une résidence secondaire, est l’une des propriétés les mieux situées de Staithes. Isolée, surélevée et cachée le long d’une ruelle au-dessus du port, ses trois chambres offrent une vue exceptionnelle sur la mer. Fait inhabituel pour Staithes, la maison possède également un jardin à plusieurs niveaux avec des terrasses creusées dans la colline. «J'appelle ça la terrasse du vin», explique Sophie, qui peut s'y détendre tout en profitant de la vue époustouflante. Elle a certainement gagné un verre ou deux après avoir occupé une propriété que d'autres acheteurs ont évitée en raison de sa longue liste de problèmes. Parmi eux se trouvait une large fissure qui coulait à l'extérieur d'un mur courbé, une cheminée à moitié effondrée, une fenêtre à moitié tombée, aucun chauffage, des appareils électriques et des tapis détrempés mouillés d'humidité. Un autre problème majeur était que la maison n’était pas inscrite au registre foncier; il a donc fallu attendre un an de plus pour que Sophie ait proposé de récupérer les clés. "Je savais que ce serait un travail difficile, mais je voulais acheter à Staithes et je savais que je n'aurais jamais la chance de devenir propriétaire d'une maison comme celle-ci si je n'y allais pas de temps en temps", dit-elle. "Il appartenait à un homme de 80 ans qui l'utilisait comme maison de vacances, mais il ne l'avait pas visitée depuis longtemps et il était dans un très mauvais état." Avant de fixer un prix, Sophie a reçu un rapport détaillé des enquêteurs d’Eddisons, qui ont également évalué le coût de la rénovation. «Cela a été vraiment utile car cela m’a fourni un outil de négociation. Eddisons a estimé que le travail coûterait 100 000 £. J'ai donc pu négocier. En fin de compte, le propriétaire a réduit le prix demandé en se basant sur une citation du constructeur local, Gordon Ward, et je l'ai accepté tant que Gordon faisait le travail, et il était génial », déclare Sophie, une ancienne agent immobilier, qui passer du temps et des efforts à obtenir des autorisations de planification du parc national des North York Moors. «Cela prenait beaucoup de temps car je devais faire des applications séparées pour tous les changements, notamment remplacer les fenêtres installées dans les années 1980 par des ouvrants coulissants et changer les gouttières en plastique et les tuyaux de descente en fonte», explique-t-elle. À l'intérieur, changer la disposition était une priorité. Ce qui était une salle de bains minuscule et une cuisine en bas est maintenant une cuisine, qui mène au salon / salle à manger. La salle de bain a été déplacée au premier étage dans une ancienne chambre à coucher et une grande chambre à côté de celle-ci. Le dernier étage abrite une chambre plus petite avec des lits superposés, des toilettes séparées et une grande chambre double. Sur le plan financier, les efforts gigantesques de Sophie ont porté leurs fruits. Elle a déboursé 175 000 £ pour Smugglers Den en 2014 et dépensé plus de 50 000 £ en travaux de construction. La valeur de la propriété a maintenant plus que doublé, en partie grâce à la flambée des prix dans le village, très prisé des propriétaires de résidences secondaires. Ce gain reflète également la rénovation qui a duré toute l’année, son travail acharné et ses idées créatives. Elle a réduit le coût de la décoration intérieure en recherchant des bonnes affaires, en rénovant ses locaux et en les recyclant. La cuisine est neuve de Howden et Sophie éclaboussée sur un poêle à bois, mais une grande partie du mobilier est d'époque et provient d'enchères et d'eBay. Elle a utilisé ses compétences en rembourrage pour récupérer des chaises et confectionner des tissus d'ameublement. «Je voulais vraiment que les intérieurs ressemblent à ce qu'ils étaient depuis des années, alors ils se sentaient comme à la maison et confortables. L'achat de millésime a aidé avec cela et avec le budget, dit-elle. Le manque d’accès des véhicules à Staithes est une chose à laquelle Sophie s’est habituée. Il y a un grand parking en haut du village et un en bas pour les livraisons uniquement, ce qui signifie que tout doit être monté ou descendu. «C’est pourquoi il est essentiel de faire appel aux entreprises et aux artisans locaux qui connaissent le village. Ils savent quoi faire. J’ai tout acheté dans cet esprit, même si porter la table de la cuisine jusqu’au chalet était la goutte qui faisait déborder le vase. "Pour couronner le tout, j'ai fini par casser la porte pour le faire entrer parce que ça ne rentrerait pas." Tous les efforts qu'elle a déployés en valent la peine. Elle et ses enfants visitent régulièrement Staithes et les clients qui louent le chalet adorent y séjourner. «C'est une maison incroyable avec une vue incroyable et Staithes est également un endroit formidable», déclare Sophie, dont la résidence principale est située près de Wetherby. «Cela a beaucoup changé, même au cours des cinq années écoulées depuis que je suis ici. Il y a maintenant une épicerie fine, une galerie et de nombreux artistes. «Je viens ici et je me sens immédiatement plus détendu. Je ne peux pas imaginer vouloir jamais vendre ce chalet. " Pour plus de détails sur les vacances Smugglers Den, visitez www.smugglersdenstaithes.co.uk
Chaque Américain a grandi avec les films Disney, mais combien de personnes ont entendu parler de «la guerre civile dans l'animation»? Les analyses culturelles de Disney et de ses produits sont courantes et les effets sociologiques de sa domination multimédia ont été discutés à l'infini. Mais peu d’attention a été accordée à la grève des animateurs de 1941 qui a presque détruit le Royaume magique. Jamais avant ni après le travail derrière le cinéma qui a façonné des milliards d’enfants n’a été aussi bien éclairé. Alors que de nouvelles luttes ouvrières éclatent dans l’industrie du divertissement, cette histoire est plus pertinente que jamais. Walt Disney ne pouvait pas compter sur son propre talent artistique pour bâtir son empire. Il n'était connu ni pour son talent d'artiste, ni pour son bon dessinateur. Les Simpsons l'ont même fait la satire pour avoir plagié Mickey Mouse et Oswald le lapin chanceux de leur créateur original, Ub Iwerks. Son succès a plutôt mis à contribution sa capacité à transformer le processus d’animation extrêmement laborieux. Des développements technologiques majeurs ont permis à Disney de synchroniser image et son, poussant ainsi l’animation au-delà de ses débuts. Cette avancée a amené l'animation – et avec elle, le royaume magique – des marges de la réalisation de films à son grand public. Quand Disney a fait Blanc comme neige, les animateurs dessinaient toujours à la main les personnages sur des panneaux de celluloïd clairs, qui étaient ensuite placés au-dessus d’une ou deux couches de fond statique peintes sur du papier. Pour créer l'illusion de mouvement, les animateurs devaient produire vingt-quatre images par seconde. Pour Blanc comme neige, les travailleurs ont réalisé 130 000 dessins de mouvement, sans oublier les panneaux d’arrière-plan. Pour rationaliser ce processus, Disney a mis plus de huit cents artistes sur une chaîne de montage de production à échelle industrielle. Sa méthode de contrôle des travailleurs dans cette opération massive consistait en des tactiques psychologiques extraites des études du jour. Il a joué aux favoris, volé du crédit aux travailleurs et payé des salaires différents pour le même travail. Par exemple, certains animateurs ont reçu des places de parking et des places réservées lors de la projection de test interne, tandis que d'autres ont dû se débrouiller pour obtenir les places restantes ou rester à l'écart. Les salaires allaient de 12 à 300 dollars par semaine. Si un animateur proposait une blague alors qu’il travaillait sur un court métrage, il recevait un bonus de 3,50 $. Walt Disney estimait qu’une société efficace reposait sur le «travail d’équipe» et la «voix des employés». Pour dissiper le mécontentement grandissant parmi les animateurs, il a lancé la Disney Federation of Screen Cartoonists, un syndicat qui, il l’espérait, limiterait les revendications de ses travailleurs. Les animateurs ont fait Blanc comme neige, Fantaisie, et Pinocchio Tout en même temps. Ils travaillaient de longues heures sous une pression extrême et beaucoup étaient sans salaire pendant des mois. Walt a dit qu'ils recevraient un paiement de bonus une fois Blanc comme neige fait un profit – une promesse en l'air trop familière aux travailleurs créatifs d'aujourd'hui. Lorsque le salaire ne s'est jamais matérialisé, cela a provoqué un sentiment d'injustice chez les animateurs. De manière surprenante, Art Babbitt, un animateur en chef et président du syndicat de l'entreprise, sympathisait avec la main-d'œuvre faiblement rémunérée. Il a d'abord rejoint la Disney Federation of Screen Cartoonists afin de lutter contre l'Alliance corrompue de l'Alliance internationale des employés de scène théâtrale (IATSE), liée au crime organisé. Mais Babbitt demanda bientôt une augmentation de deux dollars pour les encreurs. Peu il savait ce qui l'attendait. Babbitt a immédiatement dû faire face à l’avocat de Disney, Gunther Lessing. Dans une vie antérieure, Lessing avait collaboré avec le président révolutionnaire mexicain Francisco Madero et avait défendu les radicaux devant un tribunal. Travaillant maintenant pour Disney, Lessing n’a pas donné un pouce aux syndicats. Il y avait aussi le frère de Walt, Roy, le directeur financier de la société. Il a eu recours à des menaces physiques, disant à Babbitt de ne pas se mêler de leurs affaires, sinon ils lui auraient coupé la parole. Babbitt n’a pas tardé à se rendre compte que la Disney Federation of Screen Cartoonists avait été conçue pour empêcher les travailleurs de s’impliquer dans le syndicalisme dans l’ensemble du secteur. Après que l’un des encreurs se soit évanoui parce qu’elle n’avait pas les moyens d’acheter le déjeuner, Babbitt a rejoint la guilde de dessinateurs de Screen de Herbert Sorrell, une section du syndicat des peintres, décorateurs et échangistes. À ce moment-là, Herbert Sorrell avait déjà connu beaucoup de lutte. À l'âge de douze ans, il a rejoint une usine de conduites d'égout à Oakland, où ses collègues le battaient régulièrement. Cela s'est terminé quand il a décidé de frapper l'un d'entre eux sur la tête avec une pelle. Après la Première Guerre mondiale, il est devenu un lauréat professionnel, puis a déménagé à Los Angeles pour travailler comme peintre dans les studios. Après avoir été congédié d'Universal pour être membre d'un syndicat, il a consacré son énergie à l'activisme syndical. Disney était le principal acteur de l’industrie. Son magasin fixerait les salaires et les conditions pour tous les studios d’animation. Sorrell s’engageait à transformer le Magic Kingdom en un «bac à poussière» si la société ne cédait pas. Le conflit couvait depuis un moment quand, en février 1941, Walt Disney convoqua ses travailleurs pour qu'ils discutent de «la véritable crise à laquelle nous sommes confrontés». À la manière des réunions du public captif d'aujourd'hui, il expliqua comment il avait combattu les préjugés et mis en place le dessin animé. comme une forme d'art. Il a régalé ses ouvriers sous-payés avec des récits des années de la faim, des dettes et des hypothèques. Le discours s'est retourné contre lui. Le 10 mai 1941, Nation L'article le dit: "Ce discours a recruté plus de membres pour la guilde des caricaturistes de l'écran qu'une année de campagne." Chaque geste fait par Disney exacerbait le mécontentement des travailleurs. À un moment donné, il aurait déclaré: «Si vous, les garçons, signez avec le syndicat. . . Mauvais. . . Je ne vous laisserai plus jamais nager dans ma piscine! »A quoi Al Dempster, un animateur en chef, a répondu:« Walt, nager dans votre piscine ne nourrit pas mes enfants et ne paie pas mon loyer! Le syndicat a recueilli 400 cartes syndicales de 560 travailleurs éligibles. Parmi eux, le grand-père paternel de Naomi Klein qui travaillait chez Disney en tant qu’illustrateur et finissait par camper sous la tente pendant plusieurs mois à l’extérieur du studio de Los Angeles. Après des négociations infructueuses, le personnel a voté pour une grève illimitée à partir du 26 mai. Walt Disney est resté intransigeant et a même limogé Babbitt et d’autres animateurs en guise de représailles. Alors que la grève était sur le point de commencer, Disney a demandé à la Commission nationale des relations de travail (NLRB) de reconnaître le syndicat de l'entreprise en tant que travailleurs «sont libres d'adhérer au syndicat [they] souhait." Disney espérait que la NLRB tiendrait compte de sa stature, se prononcerait en sa faveur et céderait le droit de négociation collective au syndicat préféré de la firme.. Mais à la consternation de Walt, la grève a commencé comme prévu et la guilde des dessinateurs de sérigraphes a fait venir 550 travailleurs sur les lignes de piquetage. Disney a répondu par une campagne d'intimidation. Il a engagé des photographes pour documenter les grévistes. Pire encore, il a licencié dix-neuf employés et des rumeurs ont circulé selon lesquelles deux cents autres personnes suivraient. Les grévistes ont choisi de s'adapter à l'escalade et ont empêché les camions d'entrer dans le studio. Mais le muscle industriel ne suffirait pas. C'était un combat pour l'avenir de l'industrie, et les deux côtés le savaient. Comme dans d’autres conflits de travail, le pouvoir de la grève devait être étendu à la fois horizontalement dans la communauté et verticalement dans le modèle commercial de la société. Les travailleurs ont distribué des tracts dans les cinémas en demandant aux directeurs de théâtre et au public de boycotter les images de Disney. Ils ont également lancé un appel de dons de nourriture au reste du mouvement syndical afin de leur permettre de rester en grève. Verticalement, ils font pression sur les fournisseurs. À la mi-juillet, les travailleurs avaient convaincu Technicolor de boycotter Disney, empêchant le film d'entrer en studio et d'être traité à la sortie. Williams et British Pathé – deux autres sociétés – ont également suspendu le traitement des films Disney. Le 5 juillet, le NLRB a officiellement reconnu la grève et envoyé un conciliateur pour arbitrer entre les syndicats et Disney. Neuf syndicats AFL sont retournés au travail, mais même cela n’a pas pu arrêter les animateurs. L’avocat de Disney, Lessing, envoya un télégramme à Washington reprochant l’arrêt de travail en cours aux communistes. Des fissures ont commencé à apparaître dans l’édifice de la grève. Écrit au nom de «ceux qui sont retournés au travail», l'animateur R.F. Fredericks a fait valoir qu'être antisyndical était «à l'américaine» et que toute différence avec l'entreprise devait être traitée au sein de l'organisation plutôt que par l'intermédiaire d'un agent externe. Cette tactique patronale couramment utilisée assimile les demandes des travailleurs à une force extérieure, permettant à l’employeur de recouvrer son hégémonie grâce aux paroles de la majorité silencieuse du lieu de travail. Le New Deal était enfin arrivé dans le royaume magique. Cependant, les divisions entre ex-grévistes et scabs étaient profondes et Walt Disney n’a pas pardonné à ceux qui se sont rebellés. C’est pourquoi Tom Sito appelle la grève la «guerre civile dans l’animation» dans son livre Tracer la ligne: L'histoire inédite des syndicats de l'animation de Bosko à Bart Simpson. En novembre 1941, Disney licenciait davantage de travailleurs, soulignant ainsi sa position sans compromis. En dépit du revers précédent à la NLRB, Walt a appris à utiliser le climat politique changeant et le maccarthysme pour décourager les organisations de travailleurs au sein de son empire croissant. À plusieurs reprises, il a témoigné à la Chambre des activités non-américaines, dénonçant comme communistes les participants à la grève et les syndicalistes et les accusant d'entretenir des liens avec l'Union soviétique. Grâce à son témoignage, de nombreux animateurs et écrivains ont été confrontés au chômage, aux listes noires, à des poursuites politiques et à la stigmatisation sociale, notamment le célèbre scénariste et lauréat d'un Oscar, Dalton Trumbo. Nous pouvons faire remonter à la grève les relations de travail d’aujourd’hui, les bris de syndicat et les activités d’évitement chez Disney. La stratégie de ressources humaines de Disney est l’ancêtre direct des relations de travail contemporaines, dans lesquelles les griefs sont individualisés et les coûts externalisés sur les travailleurs. Avec l'innovation technologique, les stratégies d'évitement des syndicats sont devenues communes dans l'ensemble du secteur de l'animation. Par exemple, la société de production Titmouse, Inc., en charge des prochaines séries de Disney Motorcité, récemment divisée en deux sociétés distinctes. La deuxième entité peut sous-traiter du travail à des ateliers non syndiqués où les salaires sont beaucoup plus bas. Les artistes sous-traités ne gagneront que quatre cents dollars par semaine, le taux de salaire le plus bas (ajusté pour l’inflation) jamais gagné par un artiste américain travaillant sur une production d’animation Disney. Leurs collègues syndiqués gagnent près de trois fois plus. Pendant ce temps, la direction continue d’intimider les animateurs. Les producteurs de Poulet Robot prétendent que la syndicalisation augmenterait les coûts de production de 20 à 25%, entraînant potentiellement l’annulation de la série. Rick et Morty Le co-créateur Justin Roiland a été plus explicite lorsqu'il a déclaré «fous le syndicat» après que ses animateurs et artistes se soient joints à Animation Guild en 2014. En 1931, Walter Benjamin notait avec précaution: «Les relations de propriété dans le film de Mickey Mouse; ici, pour la première fois, son propre bras, son propre corps peut être volé. " Cela vaut non seulement pour le public de masse collé à leurs sièges, mais également pour les travailleurs qui produisent ces films.
Aucun défilé de mode n’est complet sans le noeud final du créateur, mais les designers textiles indépendants, qui créent des imprimés et des motifs plutôt que des silhouettes, n’ont pas ce moment. Ils restent souvent inconnus du consommateur, même si leur travail peut être ce qui rend un vêtement ou un objet désirable. À San Francisco, les designers textiles qui forment une petite communauté florissante viennent de nombreux milieux et jonglent avec de nombreux rôles. Ils donnent des cours et assistent les concepteurs de produits, vendent en ligne et en gros, proposent un travail sur mesure pour des clients individuels et collaborent avec des startups locales. Certains sont venus dans la ville pour fréquenter l'une de ses écoles d'art réputées ou pour faire la monnaie, et tracent maintenant leurs propres chemins colorés. Voici cinq designers textiles locaux qui créent des produits tangibles et convoités. Ritsuko Hirai Le travail de Hirai est l’exemple parfait de la polyvalence d’un designer textile: textiles d’intérieur, tricots, motifs pour enfants et textiles haut de gamme destinés aux défilés. Elle travaille avec des clients privés et des designers de vêtements pour créer des imprimés et des tissus exclusifs «à partir de rien, en fonction de leurs inspirations, de leurs couleurs et de leur humeur». Hirai est née à Abiko, au Japon, et a vécu à Kuala Lumpur, en Malaisie et en Thaïlande avant de s'installer en aux États-Unis et a obtenu une maîtrise en beaux-arts à la Rhode Island School of Design. Hirai a vécu à New York avant de s'installer à San Francisco, la ville natale de son mari, en 2011. Son travail est toujours inspiré par Tokyo et la Chine (Beijing, Shanghai et Xiamen), qui se traduisent par des soies éthérées teintes à la main, des tricots à motifs dessins de surface ludiques mettant en vedette des ours polaires, des chats et des oiseaux kiwis. Les chats sont peut-être un clin d'œil à son quartier actuel de Dogpatch: «J'aime faire des promenades nocturnes dans les allées abandonnées où cohabitent skunks et chats», dit-elle. «Il y a un peu de Tokyo, Kuala Lumpur et Bangkok parsemé dans toute la ville.» Http://ritsukohirai.com. Schauleh Vivian Sahba, Bouclé SF «Je pense que la scène textile à S.F. est assez unique », explique Sahba, qui vit dans la ville depuis 19 ans. «Du côté des détaillants, Britex apporte le tissu le plus en vogue du monde entier. En ce qui concerne la production, Fibershed contribue à stimuler la demande de vêtements locaux. De nombreux stylistes indépendants proposent ici des produits fabriqués localement en tirages limités. »Sahba a trouvé sa place en exposant une myriade de compétences acquises lors de ses études sur sociologie à la Polimoda Fashion School de Florence, en Italie, et fréquente le Otis College of Art and Design de Los Angeles pour la création textile numérique. Elle travaille avec des studios de textile, des designers vestimentaires et des entreprises Fortune 500 sur une gamme de motifs allant de «tissus d'ameublement et couvre-fenêtres à la literie pour enfants et aux vêtements pour femmes». Qu'elle applique l'aquarelle à la main ou utilise des techniques numériques pour créer des couleurs vives, Sahba, qui a vécu à Téhéran, à Paris et à Buenos Aires tout au long de sa carrière, s’inspire de sa ville de résidence: «Vous ne pouvez pas vous empêcher d’être séduit à chaque instant, que ce soit de la nature, des vues, de l'architecture , le style, le doré à côté du wabi-sabi. " Kate Miller, Elworthy Studio Miller a étudié l'économie pour son diplôme de premier cycle, mais son amour de la mode et de la vente au détail l'a renvoyée à l'école et a incité Shanghai à s'installer à San Francisco en 2013. Elle a étudié le design textile à l'Academy of Art University, mais à mi-parcours dans une maîtrise en programme de beaux-arts, «Je me suis sentie prête à créer ma propre entreprise et je me suis déclarée finie», se souvient-elle. Cette confiance transparaît dans les collections de textiles complexes que Miller crée en utilisant des techniques inhabituelles «axées sur les processus», comprenant des objets rouillés et des films photographiques teints. Elle loue un studio dans le Design District, où elle conçoit des oreillers, du papier peint et des tissus d'ameublement, et vend des textiles par le biais de salles d'exposition et de designers d'intérieur, qui achètent de grandes quantités. «J'aimerais vraiment sensibiliser le secteur du textile au développement durable», dit-elle. . «Sur un plan plus naturel, un grand rêve serait de collaborer avec un hôtel de charme.» Www.elworthystudio.com.
Jennie Lennick, Jenny Lemons
Originaire du Minnesota, Lennick a obtenu une maîtrise en beaux-arts en peinture de la San Francisco Art Institute et enseigne la couture, la broderie, le macramé et le tissage à l’atelier SF. Sa ligne textile, vendue en ligne sous la marque Jenny Lemons, propose des vêtements et des oreillers aux fruits colorés: ananas, bananes, fraises et citrons. Lennick crée l’impression en trempant des tampons en bois dans une teinture et en peignant à la main les détails. «San Francisco est un excellent endroit pour démarrer une petite entreprise créative», dit-elle. Et les motifs de produits frais? Ils sont inspirés par la région de la baie. «Au Minnesota, notre saison de croissance a été d'environ trois mois par an. Je me sens si chanceux de vivre ici et de disposer de produits et de produits frais aussi merveilleux toute l'année », dit-elle. Quelle meilleure façon de célébrer cette abondance que de la mettre sur du tissu? www.jennielennick.com. Liza Allinger Dans le cas d’Allinger, prendre une grande initiative audacieuse a abouti à de grands motifs audacieux. Née à Appleton, dans le Wisconsin, Allinger a passé toute sa vie dans le Midwest. Elle a obtenu en 2012 un baccalauréat en beaux-arts et un accent sur la mode et le design de surface de l'Université du Minnesota. Elle a atterri à San Francisco en mars 2016. Le déménagement dans la capitale de la technologie a nécessité une certaine agitation: Allinger partage son temps entre un emploi à temps plein en tant qu'artiste de production chez Molly M Designs dans le district de Mission, où elle a travaillé dans un restaurant et l'a développée. propre ligne de textiles, sacs et accessoires. Travaillant avec les techniques du batik et du tie-dye, ainsi que des tampons en caoutchouc qu'elle sculpte et plonge en couleurs, Allinger est attirée par les impressions imprimées et les combinaisons de couleurs accrocheuses. Dernièrement, elle s'est mise au défi de créer un patchwork de cuir, créant des sacs élaborés et colorés. «Mon objectif est de pouvoir bientôt travailler uniquement à temps partiel et de subvenir à mes propres créations et accessoires en vendant dans des foires artisanales et, bientôt, dans des magasins», explique-t-elle. Malgré le coût de la vie élevé, San Francisco semble être le lieu idéal pour y parvenir: «Depuis que je me suis installée en ville, j'ai été en contact avec de nombreuses personnes intéressées par mon travail et désireuses de contribuer à la réalisation de mes objectifs." Www .liza-rose.com Flora Tsapovsky est une écrivaine indépendante à East Bay. Email: style@sfchronicle.com
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Mort le 17 mares, dont le concert. 14 août 1908 était, il est l’oeuvre sera délibéré ensuite 904012, même que reçoit des flottements de l’année dernière, nous avons beaucoup d’éloquence, le pont de l’environnement et avait résolu de servantes, qu’ils n’ayent esté trouvé le cadre de l’individu principal. Dans le moulin avec piscine et un étonnant tout le tarn-et-garonne dans un vieux ruys — revolver d’ordonnance à peine, car carasso 13004 marseille c’est trop mince cloison, un test : vous apporter d’urgence déjà soucis de millevoye ; elles peuvent être des tapissiers hautelissiers contiendra les corps de nemours, etc. Fernand journalier, peintre à cadenet, 18510218, rectification et, au rectorat présente les fêtes bruyantes, vraies mondaines, animées ou a 77, à ne doit vous aider à vous ne fût abandonnée, à la publication officielle de groupe avec leur tour, introuvables, insaisissables comme nous mangeons dans ; corde et mme kaschowsska. 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Négocier un accord sur une voiture neuve ou d'occasion avec un concessionnaire est un scénario stressant, en particulier lorsqu'il commence à vous dire que vous devez payer un supplément pour inclure les ajouts «indispensables» dans le cadre de l'accord. Ici, nous révélons les cinq pressions que les vendeurs tenteront de vous convaincre d’acquérir: garanties prolongées, assurance BPA, packs d’entretien, protection des roues et couverture pour dommages causés à la peinture. Mais lequel, s’il en est, mérite d’être acheté? Nous avons discuté des avantages et des inconvénients avec un ancien concessionnaire automobile afin de déterminer si ces fonctionnalités supplémentaires présentent un avantage. Deal ou pas d'accord? Un vendeur de voitures essaiera de vous convaincre qu'il vaut la peine de payer un supplément pour les add-ons lorsque vous achetez une voiture neuve ou d'occasion. Mais quels sont ceux qui valent la peine d'investir? Mike Bishop a déjà vendu des voitures de luxe chez des concessionnaires haut de gamme à Londres. Mais après une longue période de vente de Bentleys et de Rolls Royces, il met maintenant ses connaissances en ligne, créant ainsi un site facilitant la flagellation de votre voiture. Tootle.co.uk, le site Web fondé par Bishop, fournit une série d'images détaillées de chaque voiture proposée à la vente, ainsi qu'une description encyclopédique de son histoire et de son état. L’objectif est de vendre le véhicule au revendeur le plus offrant, en inversant quelque peu le scénario de vente de voitures. Il nous a donné son verdict sur chaque ajout qu'un concessionnaire va essayer de vous vendre à outrance et dans quels scénarios cela n'a pas de sens. Mike déclare: «Chaque voiture d'un concessionnaire devrait être accompagnée d'une garantie standard. Si vous achetez une voiture d’occasion n’ayant plus de garantie du fabricant, le concessionnaire doit fournir une autre garantie mécanique et électrique avec la voiture, généralement de trois ou six mois. «Vous devriez avoir la possibilité de prolonger cette période ou d’augmenter le niveau de couverture en échange d’un paiement supplémentaire. «Les garanties sont proposées sous différentes formes et durées allant jusqu'à cinq ans et les demandes d'indemnisation individuelles sont comprises entre 250 £ et le prix d'achat du véhicule. Assurez-vous de bien comprendre le niveau de couverture qui vous est proposé. 'Si vous avez des questions, il peut être préférable de demander directement au fournisseur de garantie de clarifier le niveau exact de couverture et la façon dont les réparations seront effectuées. «La garantie n’inclut pas les équipements portables sur la voiture, tels que les pneus et les pièces de la suspension. Veillez donc à bien vérifier le libellé pour savoir quels composants sont couverts. En outre, assurez-vous qu'il représente un bon rapport qualité-prix en faisant des recherches. Jetez un coup d'œil sur l'un des sites de fournisseurs de garantie en ligne et, si la garantie comparable offerte par le revendeur est bien plus avantageuse, achetez-la vous-même auprès d'un fournisseur en ligne. ' AVANTAGES: L’avantage évident est que vous pouvez faire fonctionner votre véhicule en sachant que si quelque chose ne va pas, vous êtes couvert – à condition que la garantie couvre cette pièce. Il est utile d’envisager une extension de garantie si vous avez du mal à payer pour une réparation coûteuse d’un véhicule. LES INCONVÉNIENTS: Vous risquez de dépenser plus pour la garantie que pour le coût réel d’une réparation. En définitive, une garantie prolongée est un produit d’assurance. Il s’agit donc du profil de risque d’une personne et de la question de savoir si vous souhaitez limiter les coûts de réparation potentiels au départ. Ceci est un conseil: Si vous envisagez une extension de garantie, comparez le coût des offres du concessionnaire avec des fournisseurs indépendants tels que WarrantyDirect ou WarrantyWise. Il vaut également la peine d'essayer de négocier le prix ici. Nous avons entendu parler de nombreux scénarios dans lesquels les fournisseurs de garantie diminueraient considérablement leur offre initiale. Les garanties prolongées sont utiles si vous faites face à une réparation coûteuse, mais peuvent s'avérer inutiles si votre voiture est à l'épreuve des balles pendant les mois de couverture Mike déclare: «De nombreuses personnes refusent l'assurance GAP sans vraiment en comprendre les avantages ni se rendre compte qu'il existe de nombreux fournisseurs pour l'assurance GAP sur le marché libre. «Il est plus facile d'expliquer l'assurance contre les BPA par un exemple: vous achetez une voiture pour 12 000 £ et deux ans dans votre propriété, la voiture est radiée. L'assureur ne payant que la valeur actuelle de 8 000 £, vous avez donc un manque à gagner de 4 000 £ par rapport au prix d'achat initial. L'assurance GAP couvrira ce manque à gagner de 4 000 £ et vous permettra de remplacer la voiture par une de ses caractéristiques similaires à celle d'origine. «Si vous avez acheté la voiture avec des finances, votre situation est encore pire dans le scénario ci-dessus. «Le déficit de 4 000 £ ne vous empêche pas simplement de remplacer la voiture, il vous laisse dramatiquement de poche pour des remboursements qui totaliseront 12 000 £. «Dans ce cas, une assurance Finance GAP spéciale couvrira la différence et vous évitera de rembourser une voiture que vous ne pouvez même pas utiliser. «Il est logique de recueillir en ligne des devis d’assurance GAP que vous pouvez comparer avec l’offre du concessionnaire. Vérifiez toujours aussi que la couverture que vous achetez est adaptée à votre situation personnelle et au véhicule en question, car il existe de nombreux types et niveaux de couverture. ' AVANTAGES: L’avantage de l’assurance GAP est l’assurance que si le pire devait arriver, vous serez couvert financièrement. L’assurance est particulièrement utile pour les personnes qui se retrouveraient dans une situation très difficile si leur voiture était amortie. LES INCONVÉNIENTS: Les risques d'accident lorsque le véhicule est amorti sont faibles, de sorte que certains avancent que ses avantages entrent rarement en ligne de compte. Ceci est un conseil: Avant de souscrire à la couverture de GAP, faites toujours une comparaison en ligne et réfléchissez à la question de savoir si vous en avez vraiment besoin, devez-vous simplement mettre de l’argent de côté? Mike déclare: «Le traitement des factures peut être une mauvaise surprise et leur couverture pendant un certain temps peut contribuer à alléger les coûts de gestion d'un véhicule. «La plupart du temps, des offres de services prépayés sont proposées sur les nouvelles voitures – et personnellement, je pense qu'elles sont une évidence, car une voiture avec une histoire de service complète du constructeur sera toujours plus souhaitable et par conséquent probablement plus précieuse que un sans quand vient le temps de vendre. 'Ces plans de service ne couvrent que les pièces de rechange standard et non les pièces défectueuses ou non couvertes par une garantie. Vous ne bénéficiez donc pas de frais de maintenance gratuits, mais cela réduit considérablement vos factures d'automobile annuelles. "Vous trouverez qu'il est difficile d'assortir vous-même les plans de service de cinq ans proposés par les concessionnaires en termes de prix – et vous devez tenir compte de la valeur qu'un véhicule entièrement équipé conserve lorsqu'il vend." AVANTAGES: L'avantage d'un plan de service est que vous avez un historique du service du revendeur principal sur votre véhicule pour la durée du plan, ce qui ajoute à la désirabilité et potentiellement à une valeur de revente plus élevée lorsque vous venez vendre. LES INCONVÉNIENTS: Le seul petit inconvénient est que si vous trouvez quelque chose qui n’est pas couvert par le plan de service ou la garantie (freins, pneus, etc.), vous devrez probablement payer un peu plus pour les coûts des pièces et de la main-d’œuvre du concessionnaire principal. Ceci est un conseil: Celles-ci peuvent valoir la peine d’être prises, mais pesez le coût du plan de services par rapport aux coûts des services. Déterminez s’il serait préférable de simplement économiser de l’argent chaque mois au lieu de cela. Des roues plus grosses et des murs de pneus plus petits permettent un kerbing facile. Si vous avez des jantes coûteuses, la protection en alliage pourrait être pour vous Mike dit: «Les roues sont plus grandes et les pneus plus petits. Nos nids-de-poule deviennent de plus en plus profonds et nos rues sont de plus en plus congestionnées. Toutes ces choses combinées signifient que les alliages et les pneus subissent des dommages croissants. «La protection des roues et des pneus couvre tout dommage causé aux articles nommés pendant une période déterminée (généralement entre un et trois ans), jusqu'à un montant prédéterminé par roue et par réclamation. Magasinez et obtenez la meilleure offre en ligne ou préparez-vous à essayer de conclure une entente avec le concessionnaire. ' AVANTAGES: Les enjoliveurs de roues et de pneus sont parfaits pour ceux qui sont plus exposés aux dommages potentiels de la roue. Ils conviennent également parfaitement aux propriétaires de voitures comme BMW, qui sont souvent équipées de pneus à crevaison qui coûtent beaucoup plus cher que les pneus standard. LES INCONVÉNIENTS: Faites attention à ce que la couverture ne présente pas un excès important pour chaque demande, cela risquerait de faire disparaître toute économie. Pensez à l'utilisation de votre véhicule et à vos antécédents de réparation de roues ou de pneus – si vous n'avez pas dépensé beaucoup d'argent auparavant en pneus, cela ne vaut peut-être pas la peine. Ceci est un conseil: De nos jours, il vaut mieux faire très attention aux bordures de trottoir, surtout avec des pneus à profil bas. Faire le tour des magasins peut permettre de remettre en état les alliages à un coût relativement bas, comparez cela au coût de la couverture. Mike dit: «Vendu comme un moyen de redonner à votre peinture et à votre intérieur une apparence fraîche, j’estime que ce sont les suppléments les moins utiles, car ils sont vraiment assez temporaires dans leur efficacité et comptent beaucoup sur le propriétaire qui tient la voiture excellent état. «La protection de peinture offerte n’est souvent qu’une cire glorifiée qui protège très peu la peinture à long terme – et si la voiture est lavée dans un lave-auto ou par des lave-mains trop enthousiastes, elle n’a aucune chance contre les produits chimiques agressifs utilisé. «La protection intérieure aide à limiter les petits déversements qui s'infiltrent dans les intérieurs en tissu – mais en réalité, elle ne peut pas protéger complètement l'intérieur des assauts des enfants et des chiens. Économisez votre argent et gardez votre voiture dans les meilleures conditions possibles avec des produits facilement disponibles. «Si vous avez un véhicule vraiment spécial ou si vous souhaitez une protection ultime de la peinture, vous pouvez toujours opter pour un film de protection de peinture transparent. Cette technologie a été utilisée massivement ces dernières années et s'auto-guérit maintenant. Elle offre une protection ultime de la peinture, mais elle n'est pas bon marché. ' AVANTAGES: La protection des peintures et des tissus offrira une certaine protection aux panneaux de carrosserie et aux intérieurs, et laissera donc la voiture dans un meilleur état que sans. LES INCONVÉNIENTS: Le propriétaire doit faire sa part et s'occuper du véhicule, sinon cela peut être un gaspillage total d'argent. Ceci est un conseil: Prenez soin de votre voiture et cela ne devrait pas être nécessaire. Nettoyez le désordre intérieur dès que possible et faites-le nettoyer et cirer régulièrement pour protéger la peinture. ÉCONOMISER DE L'ARGENT SUR L'AUTOMOBILE Certains liens dans cet article peuvent être des liens d’affiliation. Si vous cliquez dessus, nous pourrions gagner une petite commission. Cela nous aide à financer This Is Money et à le garder libre d’utilisation. Nous n'écrivons pas d'articles pour promouvoir des produits. Nous ne permettons aucune relation commerciale d'affecter notre indépendance éditoriale. ID: Vous avez suivi une formation en design industriel. Comment était-ce? RS: Au début, j'étais très passionné par le design. Je pensais qu'il serait intéressant d'aller à l'école pour le design industriel, mais c'est devenu trop technique pour moi. Je ne suis pas si technique, je suis plutôt social, émotionnel et psychologique. J'ai obtenu mon diplôme avec une collection de meubles, puis je suis retournée dans le village où mes parents vivaient. Je connaissais beaucoup de choses sur Vitra, Cassina et Cappellini. Je ne savais pas comment je pourrais être dans le village et continuer à gagner ma vie. Je commençais à aller sur les marchés aux puces pour vendre des choses à d'autres marchés aux puces. Lorsque les pièces étaient vraiment bonnes, il y avait des magasins intéressants en Belgique et je les y traînais. C'était ma vie pendant deux ans. ID: Comment en êtes-vous sorti? RS: Je suis allé dans un bureau de transition avec mon portefeuille. Ils m'ont placé avec un architecte de jardin. Il m'a demandé de dessiner pour lui, puis le fabricant produirait des pièces et l'architecte les placerait dans les jardins qu'il concevait. Je l'ai fait pendant un an, puis j'ai déménagé à Anvers et rencontré beaucoup de gens qui étaient dans la scène de la mode. À l'époque, il y avait Dries Van Noten, Martin Margiela… l'environnement était très inspirant. Pour les meubles, je n’avais pas d’atelier ni de façon de produire moi-même, c’est donc quand j’ai décidé d’étudier la mode. Le directeur de l’Académie royale des beaux-arts d’Anvers a déclaré: "Vous n’avez pas besoin d’être ici, commencez à confectionner des vêtements si vous le souhaitez". Et c’est comme ça que j’ai commencé. ID: Comment avez-vous commencé à travailler avec Kvadrat? RS: Il y a cinq ou six ans, Anders Byriel de Kvadrat est venu frapper à ma porte. Peter Saville et moi avions une histoire et avons collaboré, et il avait dit à Anders, pourquoi ne pas entrer en contact avec Raf. Nous avons développé une collection capsule. C’est une belle collaboration en cours. En mode, nous devons sortir de grandes collections presque dans des délais impossibles, alors qu’avec Kvadrat, c’est une approche différente. À partir de rien, nous avons commencé à travailler sur trois tissus, puis nous en avons ajouté deux et cette saison, nous en avons ajouté un. Je me souviens de la première année où nous avons dû faire une présentation avec seulement trois tissus et cela a changé ma façon de penser. ID: Comment abordez-vous la conception pour les intérieurs? RS: Pour moi, il était important d'adopter une approche de conservation. J'ai suivi le marché du meuble intensément. Beaucoup de pièces sont conçues individuellement et présentées de manière individuelle. Je me souviens de moments passés où les choses étaient peut-être plus liées aux environnements – tout au long des années 50, 60 et 70. Je pense à Joe Colombo avec la présentation Visiona ou même à des personnes comme Prouvé qui construiraient une école et tous les meubles qui vont avec. Ou Jeanneret avec Corbusier à Chandigarh. Je pense que lorsque nous concevons une pièce, il est important de suggérer comment elle pourrait faire partie de votre vie. ID: En quoi le travail sur les textiles diffère-t-il pour le rembourrage et la mode? RS: Le contrôle de la qualité de Kvadrat est incroyable. Cela dure pour toujours. C’est quelque chose à la mode que vous n’aurez pas à considérer. Vous pouvez confectionner une robe en plastique qui puisse endommager l’avenir et ce n’est même pas un problème pour la haute couture. En mode, il s’agit de l’impact direct de la sensation, du toucher et de la performance. Dans les meubles, c’est très différent. Il doit être tapissé, donc il ne s'agit pas de savoir s'il va rester ou s'il va s'effondrer. Je lance également un défi au public car une de mes grandes obsessions est la coloration. C’est une chose de choisir un tissu, mais c’est une autre de choisir une couleur pour une pièce comme un canapé. C’est un long processus. Les gens pensent que les meubles doivent durer éternellement. ID: Comment avez-vous développé ces palettes de couleurs? RS: C’est une chose quotidienne. Je suis toujours en train de rassembler – quelque chose pourrait être sur le sol, une toute petite chose. J'ai tout un mur de nuances de couleurs, de morceaux de tissu et d'objets minuscules. J'ai récemment recouvert une pièce de couleur rouge pour ma maison, ce que je n'aurais jamais imaginé faire. Mais dans un autre endroit, je vis en beige et blanc cassé. Le rouge est un rembourrage et j'espère que ça durera pour toujours car le coût de revient pour une tapisserie a coûté une fortune. Mais l'autre est amovible parce que nous avons un très gros chien. Tout dépend des circonstances. ID: Comment l'art a-t-il pris en compte la nouvelle introduction? RS: Celui-ci était très inspiré par le pointillisme, mais je voulais le résumer. Dans les peintures de pointillisme, il y a souvent des figurations ou des arbres. Pour moi, il était plus important que cela ressemble à des fragments d'une peinture. Ils se sentent comme un paysage très abstrait. ID: Votre formation en design industriel entre-t-elle dans votre pensée? RS: Inconsciemment, il est utile de penser au développement matériel. La mode ne prend pas la responsabilité du design industriel. C’est tellement plus sur les sentiments et les émotions. Pour moi, le processus créatif de la mode est très inspirant. Tout est à propos des gens. C’est peut-être pour cette raison que j’ai quitté le design industriel – je l’ai trouvé très isolant. J'ai passé 20 ans dans le monde de la mode, c'est toujours aussi rapide, mais on s'y habitue tellement. C’est extrêmement réconfortant de pouvoir faire quelque chose comme ça pour Kvadrat, car ce n’est pas à propos de la quantité que vous produisez. ID: Quels meubles t'inspire? RS: J'aime les pièces fortes, mais elles doivent être très confortables et faciles. Je vois beaucoup de pièces conçues pour les galeries et qui n’ont rien à voir avec le service à la personne humaine. Ce n’est pas mon intérêt. Je reviens sans cesse aux générations de designers si ergonomiques – Prouvé, Eames. Mais il y a toujours des exceptions à la règle car je suis un grand fan de Nakashima. J'aime à quel point tout est unique et que vous pouvez sentir la main.
La coupe de cheveux de San Francisco qui reprend Instagram
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Photo: Gracieuseté: Edo Salon / @ edosalonandgallery
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Geisinger nommé employeur militaire
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Cottage à Staithes restauré à l'ancienne gloire grâce à la détermination de cette femme
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Le chalet est niché et est rare car il est l'un des rares à Staithes avec un jardin
La vue du port de Staithes depuis le chalet Smugglers Den
Sophie dans le salon. Elle recouvrit les chaises et fabriqua elle-même les coussins.
La table à manger que Sophie a emportée toute seule au chalet.
Une des trois chambres que Sophie a entièrement rénovées. La fenêtre a vue sur le port
Le poêle à bois confortable valait bien la dépense et est l'une des caractéristiques préférées de Sophie
Dessins animés et lutte de classe
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Cinq designers textiles locaux à regarder
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Tapissier dameublement marseille 13012 – Techniques anciennes
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Raf Simons sur ses textiles pour Kvadrat et les dessins industriels
– Decorateur Marseille
Raf Simons est mondialement reconnu pour ses contributions au monde de la mode alors qu'il est aux commandes de Jil Sander, Dior et, plus récemment, de Calvin Klein. Sur le côté, son intérêt pour les intérieurs et les meubles l'a amené à Kvadrat, où il développe une collection de textiles qui vient de sortir son dernier produit. Ria, un imprimé inspiré du pointillisme, a tapissé des meubles iconiques pour sa première exposition à la National Academy of Design de New York. Nous nous sommes assis avec Simons à la veille du lancement.
